VÍRGEN DELS CONSELLERS

FECHA: 1443-1445. 

ARTISTA: Lluís Dalmau.

ESTILO: Gótico.

TIPOLOGIA: Pintura religiosa.

UBICACIÓN: MNAC.

RUTA: Ruta 8.

LLUÍS DALMAU, de origen valenciano, aparece en Barcelona mencionado por las fuentes en 1428 y en época de BERNAT MARTORELL. Trabajó para ALFONS0 EL MAGNÁNIMO hasta 1431 en Castilla y Flandes estando a disposición real a lo largo de la década de los 30 del siglo XV.

Entre 1438 y 1443 abandonó Valencia donde había hecho una serie de obras y se instaló en Barcelona donde se convertió en el pintor oficial de los “consellers” de la ciudad.

Éstos querían un gran pintor para hacer el “Retablo de la Capilla de la Sala del Consejo” y DALMAU supo demostrar su buen arte realizando un diseño que superó la supremacía del taller de BERNAT MARTORELL que triunfaba en aquellos momentos en la Ciudad Condal. Su aportación flamenca de base eyckiana no pasó desapercibida por su excelente hibridación entre la herencia internacional y el primer flamenquismo.

Se le encargó en un principio una virgen pintada para decorar la sala del consejo y consiguió una pieza única en su momento, coincidiendo con su etapa más madura. Es una obra de referencia a la hora de explicar los cambios de la pintura catalana entre 1445 y1455. Consciente de la importancia y transcendencia del cuadro, lo firmó y lo dató para dejar constancia de su autoría.

Es curioso como la vírgen y el niño Jesús quedan centrados en su trono pero colocados en un segundo término, empequeñecidos en contraste con los “consellers” que estan en ambos lados. Parecen éstos tener una perspectiva jerárquica de gran contundencia y presencia. Los grandes ventanales con decoración flamígera están abiertos sobre el paisaje y ayudan a encajar la distribución de los santos y los ángeles. La vírgen está sentada en una espectacular cátedra de madera con tallas esculpidas y decoraciones del gótico pletórico. La belleza de los rostros de influencia flamenca las encontramos en las caras de los ángeles y en Santa Eulalia (con el eculio) y San Andrés (con la cruz), estos últimos actuando como abogados en la presentación de la virgen a los cinco “consellers” que DALMAU intenta retratar. Son: JOAN LLULL, FRANCESC LLOBET, JOAN JUNYENT, RAMON SAVALL i ANTONI DE VILATORTA. La manera de representarlos, arrodillados y con las manos en posición de rezo, se extrae de las pinturas de VAN EYCK que fijó un modelo de representación en sus orantes. Igualmente, el contrato exigía el “pleno parecido individual” de los retratados. Esta obra quedaba completada con una predela con escudos de la ciudad, dos escenas de la vida de Santa Eulalia y San Andrés y una piedad.

LA VICARÍA

FECHA: 1868-1870. 

ARTISTA: Marià Fortuny.

ESTILO: Realismo.

TIPOLOGIA: Pintura costumbrista.

UBICACIÓN: MNAC.

RUTA: Ruta 8.

Se encuentra en el MNAC. El marchante de arte ADOLPHE GOUPIL, uno de los más destacados descubridores de los impresionistas europeos, se fijó en la obra de MARIÀ FORTUNY y le propuso instalarse en París con un estudio propio abandonando así temporalmente Roma. GOUPIL se encargó de dar a conocer al pintor catalán entre los burgueses parisinos  y un buen ejemplo fue esta obra que una vez acabada fue vendida immediatamente por la entonces escandalosa cifra de 70.000 francos.

Con esta obra FORTUNY nos demuestra la enorme capacidad que tenía de hacer frescos de la sociedad del momento, una pintura de pequeño formato que estaba muy de moda en Francia y llamada de “tableautin” (tableta). Estas pinturas, de reducidas dimensiones y destinada exclusivamente a la burguesía, recibió en España el nombre de pintura de “casacón” (casaca), planteada siempre como un tipo de pintura anecdótica de caire costumbrista y detallista donde salían personajes masculinos vestidos con los susodichos casacones.

Sobre la temática del cuadro decir que es un tema banal. Una pareja se ha casado y han entrado todos en la sacristía para firmar el contrato matrimonial. Utilizaba como inspiración de los personajes, retratos y modelos de familiares directos. El novio, que está firmando es su cuñado y la novia tiene la cara de su cuñada. La mujer que hay al detrás y que departe con ella es la mujer del pintor CECILIA MADRAZO. Aparte de este espíritu retratístico, FORTUNY busca la caricatura goyesca en otros personajes com las figuras masculinas del fondo. Encontramos un hombre, en primer término vestido con un casacón. Al lado del cortejo vemos un grupo separado donde hay sentados un torero, una maja y un penitente, un poco más allà. Al otro lado hay un capellán que habla con un hombre y que nos recuerda una instantánea.

La pincelada libre nos recuerda mucho a GOYA y el espacio está muy bien conseguido. Es muy real en la profundidad con el foco tímido de detrás de la reja y la captación de los detalles decorativos.

SEPULCRO DE SANTA EULALIA

FECHA: 1327-1339. 

ARTISTA: Lupo di Francesco.

ESTILO: Gótico.

TIPOLOGIA: Escultura funeraria.

UBICACIÓN: Catedral de Barcelona.

RUTA: Ruta 1.

Se encuentra en la cripta de la Catedral de Barcelona. Es una obra importantísima del gótico y se le ha atribuido recientemente al escultor italiano LUPO DI FRANCESCO, de clara influencia pisana.

Sabemos que las reliquias de Santa Eulalia fueron trasladadas a la catedral el 1339. Se han encontrado dos documentos: el primero hace referencia al sepulcro propiamente dicho por el cual sabemos que en 1327 los consejeros de Barcelona responden una carta al obispo de la ciudad en relación a la realización de una mesa para el altar mayor que querían encargar fuera y en esos papeles se especifica que hay, en ese momento, un escultor italiano trabajando en el sepulcro de Santa Eulalia y que podria hacerlo él mismo. Como no se citaba en un principio el nombre del artista todo el mundo pensó que era alguno de los famosos hermanos PISANO. Un segundo documento hace ya referencia al propio artífice porque un tal LUPO DI FRANCESCO firmaba al lado del maestro de obra de la Catedral de Barcelona. Sí podemos confirmar que LUPO había trabajado con GIOVANNI PISANO en el Duomo de Siena.

El sepulcro, hecho en mármol blanco, contiene las famosas columnas de los púlpitos elaborados por los PISANO, con aquellas bases en forma de leones “stilofori”. Las columnas son de diferentes tipos: estriadas, lisas y helicoidales. Sabemos por un documento que en el siglo XV éstas fueron recortadas y modificadas. Encima de las columnas nos encontramos la caja del sepulcro con 8 relieves, 3 delante, 3 detrás y uno y uno a cada lado. No hay duda de que hubieron dos manos en la elaboración de esta parte más escultórica.

Los 3 relieves frontales estan hechos por LUPO DI FRANCESCO y tratan 3 de los 13 martirios que sufrió Santa Eulalia. Son figuras muy expresivas, muy al estilo de NICOLA PISANO, con un movimiento muy marcado. Son figuras alargadas, con posiciones a veces imposibles y esto hace que sean menos proporcionadas que las de la parte de atrás. Destaca el fondo policromado en azul vitrificado en lugar del dorado que cada vez se utilizó menos.

Las figuras de la parte trasera y las de la tapa parecen ser de una segunda mano pero del mismo taller. Son escenas que representan el traslado de las reliquias de la santa con un estilo más clasicista, no tan expresivas y solemnes, donde destaca con gran importancia la arquitectura del fondo. También se cree que una de las laterales, “Santa Eulalia en el eculio despellejándola”, sería de este segundo colaborador del taller de LUPO DI FRANCESCO. Sí que destaca la multitud de personajes. La tapa tiene un relieve más bajo y se ven ángeles llevándose el alma de la santa.

IGLESIA DE LA VIRGEN DE MONTSERRAT DE PEDRALBES

FECHA: 1920 aprox. 

ARTISTA: Nicolau Maria Rubió.

ESTILO: Novecentismo.

TIPOLOGIA: Arquitectura religiosa.

UBICACIÓN: Carretera de Esplugues en Barcelona capital.

RUTA: Sin especificar.

Es la actual parroquia de María Reina. En plena época novecentista, donde la contraposición con el modernismo comportó una búsqueda de las formas clásicas, RUBIÓ planteó una fachada de espíritu renacentista como la mejor manera de transmitir la grandeza del pasado mirando hacia la Italia mediterránea. Las formas reposadas, armónicas, proporcionadas y repetitivas de este estilo le confiere un aire cálido a esta iglesia. Utilizó las formas horizontales marcadas por las logias cuatrocentistas laterales, presidiendo el eje de simetría una estructura edicular central vertical. RUBIÓ buscó una obra de base renacentista de gran pureza, aunque los monjes que tenían que habitar el espacio pidieron algo más “medieval”. Delante de esta disyuntiva se copió a BRUNELLESCHI, que realizó una arquitectura de evolución en su época de las formas medievales a las renacentistas, con una cúpula previa en estilo al genial arquitecto pero con una estructura externa general posterior y evocadora de BRAMANTE.

El interior, después de los muchos viajes hechos a Florencia por RUBIÓ, fue un calco del de la Capilla Pazzi de BRUNELLESCHI, incluso el tipo de bóveda. Las decoraciones están presentes en las propias bóvedas y muros imitando placas de mármol y con pinturas de fuerte influencia toscana con temática vinculada con la Grécia clásica.

A ambos lados de la puerta encontramos una especie de claustros que introducen un cierto dramatismo en sus molduras al estilo de MIGUEL ÁNGEL, creando un espacio armónico que también nos recuerda bien a una sala capitular bien  a aquellos pórticos de entrada de los palacios señoriales florentinos.

PINTURAS PRERROMÁNICAS DE SANT QUIRZE DE PEDRET

FECHA: 900-950 aprox. 

ARTISTA: Anónimo.

ESTILO: Prerrománico.

TIPOLOGIA: Pintura mural.

UBICACIÓN: Iglesia de Sant Quirze de Pedret en el término municipal de Cercs (Berguedà).

RUTA: Sin especificar.

En el interior de esta iglesia prerrománica se encontraron unas pinturas de la primera mitad del siglo X justamente debajo de las del siglo XII que actualmente se encuentran repartidas entre el MNAC y en el Museo Diocesano de Solsona. En su interior encontramos un arco triunfal ultrapasado con las pinturas en formato reproducción in situ. Estas pinturas prerrománicas se encontraron en los años 60 del pasado siglo. Son dos pinturas muy conocidas y se han planteado diferentes teorías iconográficas sobre su significado. La que se encuentra a la izquierda representa, según los especialistas en la materia, a San Mauricio que va a caballo (representación habitual de este santo) con un pavo encima de la cabeza e inscrito en un círculo dentro de una cruz. Debajo hay dos hombres: uno podría ser el promotor de la pintura  y el otro una figura masculina en forma de alegoría del invierno.

La pintura de la derecha es aún más conocida que la anterior y representa a un orante con los brazos extendidos dentro de un círculo, también con una especie de ave, símbolo de la salvación y de la resurrección. Se habla de que podría ser la representación de un santo pero no hay ningún atributo que lo vincule a uno en concreto. En las dos obras destacan los colores azules, negros y rojizos.

PIA ALMOÏNA

FECHA: 1435. 

ARTISTA: Anónimo.

ESTILO: Gótico.

TIPOLOGIA: Edificio civil.

UBICACIÓN: Plaza de la Catedral de Barcelona.

RUTA: Ruta 1.

Llamada coloquialmente “La Canonja”, aloja en su interior actualmente el Museu Diocesà de Barcelona. La institución de la Pia Almoïna fue fundada el año 1009 con la intención de atender y dar manutención a los pobres. La primera ubicación fue, en el siglo XII, en la Capilla de Santa Llúcia, hasta que fueron trasladados a este edificio que estaba construído sobre la antigua construcción donde residía la comunidad de canónigos (de aquí su nombre popular en catalán) de la catedral y que pertenecían a la orden agustina. En 1369 estos monjes destruyeron este edificio para en 1400 construir la entonces sede de la Pia Almoïna que inició su labor social en 1435.

La concepción del edificio fue gótica, con una puerta de acceso realizada con dovelas típicas de los palacios del siglo XV y en forma de medio punto rematada con un guardapolvo. En el relieve central de la puerta encontramos los símbolos de la Pasión y a los dos lados, en forma de rombo, el escudo catedralicio y la imagen de Santa Llúcia. La disposición de las ventanas en relación con la puerta es irregular y no sigue ningún eje de simetría. El módulo principal de ingreso, ubicado a la derecha, presenta un tejado a dos aguas y las ventanas no contienen ninguna decoración conopial sino unas simples lindes de piedra para remarcar la sensación de pretendida pobreza. En época renacentista se construyó, en sentido longitudinal, una solana superior para rematar el conjunto con arcos escarzanos sobre columnas.

NATURALEZA MUERTA CON VERDURAS, PAVO, OTRAS AVES Y NEULAS

FECHA: 1725 aprox. 

ARTISTA: Antoni Viladomat.

ESTILO: Barroco.

TIPOLOGIA: Pintura al óleo.

UBICACIÓN: Sección Barroco del Museu d'Art de Catalunya (MNAC).

RUTA: Ruta 6.

Está considerado uno de los primeros bodegones catalanes siendo ANTONI VILADOMAT el introductor en Cataluña de esta moda pictórica que hacía más de un siglo ya aplicaban con gran maestría en sus cuadros VELÁZQUEZ o ZURBARÁN. En un principio, esta temática daba a los cuadros el calificativo de obra menor ya que se consideraba un ejercicio previo a la realización de obras con temáticas más al uso, como retratos o paisajes. Con la llegada del siglo XVII, la pintura europea adoptó la naturaleza muerta como una categoria propia y de primera línea tratada por los artistas más importantes del momento. Se convirtieron en auténticas joyas del virtuosismo y VILADOMAT así lo demuestra con este bello y oscuro bodegón. El concepto de naturaleza muerta fue más allá del terreno iconográfico y conceptualmente se consideró como una alegoría de la fugacidad de la vida, convirtiéndose en una metáfora de la vida y de la muerte humana, en forma de vanitas, gracias a la presencia de la fruta podrida, las flores marchitas, etc. Y es que, vida y naturaleza acaban desapareciendo para ser renovadas de manera constante. El pintor catalán siguió los preceptos realistas y claroscuristas de la escuela hispana pero sobretodo sevillana.

CRUZ DEL ANTIGUO HOSPITAL DE LA SANTA CREU

FECHA: 1691

ARTISTA: Bernat Vilar.

ESTILO: Barroco.

TIPOLOGIA: Cruz conmemorativa.

UBICACIÓN: Patio del antiguo Hospital de la Santa Creu en la Calle Hospital de Barcelona.

RUTA: Sin especificar.

Está ubicada en el patio de este antiguo hospital medieval. No está claro que todo el conjunto escultórico estuviera realizado por el mismo artista. Sabemos que BERNAT VILAR esculpió la cruz, aunque no podemos garantizar que fuera el artífice de la columna salomònica que esta posada sobre un pedestal mixtilíneo o en forma de barriga, de trazos barrocos. En su tramo central destacar el detalle del estriado delimitado por dos coronas reales haciendo referencia a la ayudas llegadas desde los reyes para mantener las instalaciones. La columna está rematada por un capitel corintio y la cruz final antes comentada.           

SEPULCRO DE JUAN DE ARAGÓN

FECHA: 1508 

ARTISTA: Desconocido.

ESTILO: Renacimiento.

TIPOLOGIA: Escultura funeraria.

UBICACIÓN: Atrio del Monasterio de Montserrat.

RUTA: Sin especificar.

Este sepulcro fue una voluntad constructiva manifiesta en el testamento del entonces virrey de Nápoles, JUAN DE ARAGÓN. No olvidemos que en aquellos momentos Nápoles pertenecía a la Corona de Aragón y era normal encargar fuera de la península ciertas obras. Él encargó su monumento funerario aunque manifestó su intención de ser enterrado dentro de la basílica del Monasterio de Montserrat de Barcelona. No sabemos ni el autor ni el taller del sepulcro, pero sí hemos de decir que es sencillo en composición y en consonancia con las formas renacentistas italianas de este tipo de monumentos. Está restaurado porque sufrió algunos destrozos durante los saqueos napoleónicos del siglo XIX.

La forma del conjunto destaca por un arco de medio punto tipo triunfal (DANTE estableció que la muerte no es el final sino que la fama del que ha muerto perdura en sus obras artísticas, literarias o virtuosas, considerándose estos aspectos el triunfo sobre la muerte). Es un arco con una pequeña bóveda de cañón decorada y sostenida por un entablamento con columnas a los lados y unas pilastras encastadas al fondo, decoradas con motivos grotescos. Dentro de este marco encontramos el sepulcro y la efigie del muerto arrodillada sobre la tapa del sepulcro en posición de orante y mirando hacia el altar. Debajo del sepulcro encontramos a los atlantes que soportan en sus espaldas el peso además de sostener con una mano el escudo familiar. En el tímpano hay un relieve con una epifanía.

               

LA LAPIDACIÓN DE SANT ESTEVE

FECHA: 1100 aprox.

ARTISTA: Mestre de Boí.

ESTILO: Románico.

TIPOLOGIA: Pintura mural al fresco.

UBICACIÓN: Sección del Románico en el Museu d'Art de Catalunya (MNAC).

RUTA: Ruta 6.

Es un conjunto pictórico que está a medio camino entre los círculos artísticos de Pedret y Osormort que se encontraba en los muros interiores de la iglesia parroquial de Sant Joan de Boí, en Lleida. Fue pintado por el conocido como MESTRE DE BOÍ que había absorbido las influencias italianas de aquel momento.

En 1064, esta iglésia formó parte de la comarca del Jussà bajo el gobierno de los condes de ERILL. Éstos invirtieron en la decoración de edificios de la zona de la Vall de Boí para demostrar su prestigio y poder, con la culminación pictórica de las archiconocidas pinturas murales de Sant Climent de Taüll. Eran iglesias, la mayor parte, totalmente decoradas y con iconografías concretas.

Dentro del grupo de pinturas murales extraídas de Sant Joan de Boí destacaremos la magistral " Lapidació de Sant Esteve”. Esta escena es la que mejor resumiría la calidad del MESTRE DE BOÍ donde se ve la intención de recrear una acción: San Esteban está en la parte derecha de la composición rogando a Dios, representado en forma de dextera domini, que le dejen de tirar piedras mientras que tres verdugos disfrutan del martirio lanzándolas. La cabeza del santo tiene sangre debido a los golpes de los cantos rodados, dándole un toque muy real y poco habitual en el románico, con un estilo muy dinámico para la época, con la característica tipíca del trazo curvo de este artista en las barrigas prominentes de sus hombres. Aparte de ello sus líneas son bastante rectas y las gamas cromáticas muy intensas. El arco de la barbilla tan marcado nos evoca al “Mestre de Pedret” que también lo caracteriza. Vemos la inscripción del nombre de San Esteban y al lado (ahora desaparecido) había otra inscripción que ponía Teodoro. En un principio se pensaba que éste era el nombre del artista pero con el tiempo se ha pensado que sería el nombre de la escena siguiente y que haría referencia a algún pasaje de la vida de San Teodoro.

CASA BATLLÓ

FECHA: 1904-1908. 

ARTISTA: Antoni Gaudí.

ESTILO: Modernismo.

TIPOLOGIA: Edificio de viviendas.

UBICACIÓN: Passeig de Gràcia, 43 en Barcelona capital.

RUTA: Ruta 3.

Fue una remodelación realizada por ANTONI GAUDÍ de una casa convencional del Eixample barcelonés, construída el 1877 por EMILI SALA. El industrial textil JOSEP BATLLÓ, que había adquirido el edificio, le pidió al genial arquitecto una reforma total del edificio, aunque en un principio se pensó en hacer algunos cambios solo en la fachada. Finalmente se reorganizaron todos los espacios para tener mayor ventilación e iluminación natural añadiendo un nivel estructural de dos pisos de buhardillas y los característicos balcones.

La fachada, espectacular, es una de las mejores a nivel mundial, en un espacio donde se combina de una manera orgánica piedra, hierro, forja y cerámica policromada. El arquitecto repicó todo el muro externo para dar las formas que él deseaba. Una vez conseguido su objetivo lo rebozó con mortero y lo recubrió con el famoso trencadís de vidrios de colores y discos de cerámica. La zona central de la fachada imita una especie de lago con nenúfares de suaves inclinaciones curvas y reflejos producidos por la cerámica vidriada y el trencadís, y la parte superior del edificio nos recuerda el perfil de un lomo de dragón o de camaleón, donde las tejas cerámicas son de gran tamaño y de forma esférica, recordando las escamas reptiles que para la ocasión se diseñaron tornasoladas. Esta magnífica fachada está rematada por una torre con una cruz de cuatro brazos típica de la forma y de la religiosidad de GAUDÍ, además de tener un cierto sentido catalanista al conjunto. Detrás de esta peculiar cubierta se encuentran unas grandes buhardillas construídas con arcos parabólicos.               

La azotea, es decir, el lomo del dragón, cede su protagonismo a cuatro chimeneas sinuosas recubiertas de baldosas y tocadas con una especie de sombreros hechos en trencadís para evitar que el viento frene la extracción de humos.

En el interior destaca su patio comunitario ensanchado por el propio arquitecto y totalmente forrado por baldosas cerámicas azules y blancas en relieve. Son éstas más claras a medida que bajamos del piso más alto con la inteción de conseguir una iluminación más uniforme. Las ventanas de las viviendas superiores son más pequeñas que las inferiores para mantener esta línea y así todos los pisos tuvieran la misma luz. Los ventanales tienen rendijas de madera que se pueden abrir permitiendo la ventilación de los pisos. Destaca la belleza de la cabina del ascensor. El patio está cerrado por una claraboya hecha en hierro y vidrio.

Del conjunto de pisos que en la actualidad están habitados, GAUDÍ dio una gran  importancia al primer nivel que tenía que ser ocupado por el propietario JOSEP BATLLÓ. En la parte exterior de la planta noble hizo una tribuna de tintes orgánicos con el uso de vidrieras y donde las columnas se convirtieron en huesos humanos articulados. En su interior una gran decoración marcaba los techos y en las puertas jugó con las luces y las sombras provocadas por la maleabilidad de las estructuras utilizadas dando una sensación de espacio abierto o telúrico según la fantasía del arquitecto. El mobiliario también fue diseñado por el propio GAUDÍ.

Este proyecto fue muy cuestionado por las autoridades cuando vieron los planos aunque en 1906 recibió el premio del Ayuntamiento de Barcelona a la mejor obra arquitectónica del momento.